Arte giapponese

L'arte del Giappone (日本美術 Nippon bijutsu) è espressione della cultura giapponese, sviluppatasi nel tempo in vari periodi e stili che si sono succeduti cronologicamente, parallelamente all'evoluzione storica, sociale e culturale del popolo giapponese.

L'evoluzione dell'arte giapponese è stata segnata dallo sviluppo della sua tecnologia, essendo uno dei suoi segni distintivi l'uso di materiali indigeni.

Come nell'arte occidentale, le principali manifestazioni artistiche hanno avuto origine nella religione e nel potere politico. Una delle caratteristiche principali dell'arte giapponese è il suo eclettismo, derivante dalla diversità dei popoli e delle culture che nel tempo sono approdati sulle sue coste: i primi coloni del Giappone - conosciuti come Ainu - appartenevano ad un ramo caucasico proveniente dall'Asia settentrionale e orientale, forse arrivando quando il Giappone era ancora unito al continente.

L'origine di questi coloni è incerta, gli storici valutano varie ipotesi, da una razza uralo-altaica a una possibile origine indonesiana o mongola. In ogni caso la loro cultura sembrava corrispondere al Paleolitico superiore o al Mesolitico.

Successivamente, diversi gruppi di razza malese provenienti dal Sud-Est asiatico o dalle isole del Pacifico arrivarono sulle coste giapponesi - contemporaneamente alla Corea e a varie parti della Cina - e furono gradualmente introdotti dal sud, spostando gli Ainu al nord del Giappone, mentre in un'ondata successiva diversi gruppi della stessa etnia arrivarono in Giappone dalla Cina e dalla Corea.

A questo mix razziale va aggiunta l'influenza di altre culture: a causa della sua insularità, il Giappone è stato isolato per gran parte della sua storia, ma a intervalli è stato influenzato da civiltà continentali, soprattutto da Cina e Corea, soprattutto a partire dal V secolo .

Così, all’ancestrale cultura giapponese derivata da successive ondate migratorie si aggiunse l’influenza straniera, forgiando un’arte eclettica e aperta all’innovazione e al progresso stilistico.

È anche interessante notare che gran parte dell'arte prodotta in Giappone è stata di carattere religioso: alla religione shintoista, la più tipicamente giapponese, formatasi intorno al I secolo, intorno al V secolo si aggiunse il Buddismo, forgiando un sincretismo religioso che ancora oggi perdura ancora oggi, e che si è riflesso anche nell’art.

L'arte giapponese è quindi uno specchio di queste diverse culture e tradizioni, interpretando a suo modo gli stili artistici importati da altri paesi, che assumono secondo la loro concezione della vita e dell'arte, reinterpretandone e semplificandone le caratteristiche peculiari, come gli elaborati dipinti cinesi Templi buddisti, che in Giappone hanno subito un processo di riduzione degli elementi superflui e decorativi.

Ciò dimostra il carattere sincretico dell'arte giapponese, che ha sempre accettato con naturalezza qualsiasi innovazione proveniente da altri paesi.

Nella cultura giapponese l'arte ha un grande senso di introspezione e di interrelazione tra l'uomo e la natura, rappresentato anche negli oggetti che lo circondano, da quelli più elaborati ed enfatici a quelli più semplici e quotidiani.

Ciò è evidente nel valore dato all'imperfezione, alla natura effimera delle cose, al senso emotivo che il giapponese instaura con il suo ambiente.

Così, ad esempio, nella cerimonia del tè, i giapponesi valorizzano la calma e la tranquillità di quello stato di contemplazione che raggiungono con un rituale semplice, basato su elementi semplici e su un'armonia proveniente da uno spazio asimmetrico e incompiuto.

Per i giapponesi la pace e l'armonia sono associate al calore e al comfort, qualità che a loro volta riflettono fedelmente il loro concetto di bellezza.

Anche quando si parla di mangiare, non conta la quantità del cibo o la sua presentazione, ma la percezione sensoriale del cibo e il senso estetico che danno a qualsiasi atto. Allo stesso modo, gli artisti e gli artigiani giapponesi hanno un alto grado di attaccamento al proprio lavoro, sentendo i materiali come una parte essenziale della loro vita e della loro comunicazione con l’ambiente che li circonda.

Fondamenti dell'arte giapponese

L'arte giapponese, come il resto della sua filosofia - o, semplicemente, il suo modo di vedere la vita - è incline all'intuizione, alla mancanza di razionalità, all'espressione emotiva e alla semplicità di atti e pensieri, spesso espressi simbolicamente.

Due sue caratteristiche distintive sono la semplicità e la naturalezza: le manifestazioni artistiche sono un riflesso della natura, quindi non richiedono una produzione elaborata, ma si basano su un'economia di mezzi che conferisce all'arte una grande trascendenza, come riflesso di qualcosa di più alto che è solo abbozzato, suggerito, per essere successivamente interpretato dallo spettatore.

Questa semplicità provocò nella pittura una tendenza al disegno lineare, senza prospettiva, con abbondanza di spazi vuoti, che tuttavia si integrano armoniosamente nell'insieme. In architettura si riflette in disegni lineari, con piani asimmetrici, in una congiunzione di elementi dinamici e statici.

A sua volta, questa semplicità è legata a un'innata naturalezza nel rapporto tra arte e natura, che per i giapponesi è un riflesso della loro vita interiore, e lo avvertono con un delicato senso di malinconia, quasi tristezza. In particolare, il trascorrere delle stagioni conferisce loro un senso di caducità, vedendo nell'evoluzione della natura l'effimero della vita.

Questa naturalezza si riflette soprattutto nell'architettura, che si fonde armoniosamente con l'ambiente circostante, come è evidente nell'uso di materiali naturali, non lavorati, mostrando il suo aspetto grezzo, grezzo, non finito.

In Giappone, natura, vita e arte sono indissolubilmente legate e la realizzazione artistica è un simbolo della totalità dell'universo. In Giappone l'arte mira a raggiungere l'armonia universale, andando oltre la materia per trovare il principio vivificante. L'estetica giapponese cerca di trovare il senso della vita attraverso l'arte: bellezza è uguale armonia, creatività; è uno slancio poetico, un percorso sensoriale che porta alla realizzazione dell'opera, che non ha scopo in sé, ma va oltre.

La bellezza è una categoria ontologica, che rimanda all'esistenza: consiste nel raggiungere un senso con il tutto. Come diceva Suzuki Daisetsu: “la bellezza non è nella forma esteriore, ma nel significato che esprime”. L'arte non si basa sulle qualità sensibili, ma su quelle suggestive; non deve essere perfetto, ma esprimere una qualità che porta alla totalità.

Si vuole cogliere l'essenziale attraverso la parte, che suggerisce il tutto: il vuoto è complemento di ciò che esiste. Nella filosofia orientale c'è un'unità tra materia e spirito, in cui predomina la contemplazione e la comunione con la natura, attraverso l'adesione interiore, l'intuizione.

In Giappone l'arte (gei) ha un senso più trascendente, più immateriale rispetto al concetto di arte applicato in Occidente: è qualsiasi manifestazione dello spirito -inteso come energia vitale, come essenza che infonde vita nel nostro corpo-, rendendolo svilupparsi ed evolversi, raggiungendo un'unità tra corpo, mente e spirito.

Il senso dell'arte si è sviluppato nel tempo nell'estetica giapponese: le prime riflessioni sull'arte e sulla bellezza provengono dall'antichità, quando furono forgiati i principi creativi della cultura giapponese e emersero le principali opere epiche della letteratura giapponese:

• il Kojiki (Racconti di cose antiche),
• il Nihonshoki (Annali del Giappone)
• e il Man'yōshū (Raccolta di diecimila foglie).

Predominava in questo periodo il concetto di sayakeshi ("puro, limpido, fresco"), che si riferiva ad un tipo di bellezza caratterizzato da semplicità, freschezza, una certa ingenuità, percepibile nell'uso della luce e di materiali naturali, come la terra cotta. delle statuette haniwa o del legno in architettura.

Un buon esempio di ciò è il tempio shintoista di Ise, costruito in legno di cipresso, che viene ricostruito ogni vent'anni a partire dall'VIII secolo per preservarne la purezza e la freschezza. Da questo concetto nasce una delle costanti dell'arte giapponese: il valore attribuito alla bellezza effimera, transitoria, fugace, che evolve nel tempo.

In Man'yōshū sayakeshi si riflette nei sentimenti di fedeltà e onestà, nonché nella raffigurazione di elementi naturali come il cielo e il mare, che ispirano un senso di grandezza che travolge l'uomo.

Sayakeshi è legato al concetto di naru (“divenire”), dove il tempo è valorizzato come energia vitale che converge nel divenire, nella consumazione di tutti gli atti e di tutte le vite. Successivamente, durante i periodi Nara e Heian, l’estetica giapponese si è evoluta rapidamente grazie al contatto con la cultura cinese, nonché all’arrivo del buddismo. Il concetto principale di questo periodo era la consapevolezza, un sentimento emotivo che travolge lo spettatore e porta a un profondo senso di empatia o pietà.

Ad esso sono legati altri termini come okashi, ciò che attrae per la sua allegria e il suo carattere gradevole; omoshiroshi, proprietà delle cose radiose, che attirano l'attenzione con la loro luminosità e chiarezza; yūbi, concetto di grazia, eleganza; yūga, qualità della raffinatezza nella bellezza; it, l'attrazione del fascino; rei, la bellezza propria della calma; yasashi, la bellezza della discrezione; e ushin, il senso profondo dell'artistico.

Una pietra miliare nella cultura giapponese di questo periodo fu Tale of Genji di Murasaki Shikibu, che incarnava un nuovo concetto estetico chiamato mono-no-aware -un termine introdotto da Motōri Norinaga-, che trasmette un sentimento di malinconia, di tristezza contemplativa derivata dalla transitorietà. delle cose, della bellezza effimera, che dura un istante e resta nella memoria.

È uno stato di ricreazione derivato dalla caducità delle cose e da una tristezza agrodolce che ne deriva, equivalente in una certa misura al pathos greco e al termine virgiliano lacrimae rerum ("lacrime delle cose"). Nelle parole di Kikayama Keita: "è il sentimento profondo che ci travolge quando contempliamo una bella mattina primaverile, e anche la tristezza che ci travolge quando guardiamo un tramonto autunnale.  

Quest'idea di ricerca ideale della bellezza, di uno stato di contemplazione in cui pensiero e mondo dei sensi si incontrano, è caratteristica dell'innata sensibilità giapponese per la bellezza, ed è evidente nella festa Hanami, basata sulla contemplazione del ciliegio fiori.

Durante il Medioevo giapponese (periodi Kamakura, Muromachi e Momoyama), parallelamente al militarismo della società feudale giapponese, si affermò il concetto di dō ("via"), che enfatizzava il processo creativo dell'arte, la pratica cerimoniale dei riti sociali, come evidenziato in shodō (calligrafia), chadō (cerimonia del tè), kadō o ikebana (l'arte di disporre i fiori) e kōdō (cerimonia dell'incenso).

In queste pratiche non è il risultato che conta, ma il processo evolutivo, il divenire nel tempo - di nuovo il naru - nonché il talento dimostrato nella perfetta esecuzione dei riti, che denota destrezza, nonché una tensione spirituale verso l'obiettivo. perfezione.

Questi nuovi concetti furono decisamente influenzati da una variante del buddismo chiamata Zen, che enfatizzava alcune "regole di vita" basate sulla meditazione, dove la persona perde la coscienza di sé. Pertanto, qualsiasi lavoro quotidiano trascende la sua essenza materiale per significare una manifestazione spirituale, che si riflette nel movimento e nel passaggio rituale del tempo.

Questo concetto si riflette anche nel giardinaggio, che raggiunge un tale grado di trascendenza che il giardino è una visione del cosmo, con un grande vuoto (mare) che si riempie di oggetti (isole), incarnato nella sabbia e nelle rocce, e dove la vegetazione è evocativo del passare del tempo.

L'ambivalenza Zen tra la semplicità e la profondità di una vita trascendente permeava uno spirito di “semplice eleganza” (wabi) non solo nell'arte, ma anche nei comportamenti, nelle relazioni sociali e negli aspetti più quotidiani della vita. Il Maestro Sesshū disse che "Lo Zen e l'arte sono una cosa sola".

Lo Zen si basa su sette principi estetici: fukinsei (asimmetria), modo di negare la perfezione per raggiungere l'equilibrio presente in natura; kanso (austerità), eliminare l'inutile e il superfluo per scoprire la semplicità della natura; kokō (dignità solitaria), qualità che le persone e gli oggetti acquisiscono con il passare del tempo e conferisce loro una maggiore purezza della loro essenza;

shizen (naturalezza), che è legato alla sincerità, il naturale è autentico e incorruttibile;

yūgen (profondità), la vera essenza delle cose, che trascende la loro mera materialità, il loro aspetto superficiale; datsuzoku (distacco), libertà nella pratica delle arti, la cui missione è liberare lo spirito, non controllarlo: l'arte rinuncia quindi a ogni tipo di norma e regola; seiyaku (serenità interiore), uno stato di quiete, di calma, necessario al flusso dei sei principi precedenti. Particolarmente significativa è la cerimonia del tè, dove il concetto giapponese di arte e bellezza viene magistralmente sintetizzato, creando un'autentica religione estetica: il “teismo”. Questa cerimonia rappresenta il culto del bello in opposizione alla volgarità dell'esistenza quotidiana.

La sua filosofia, sia etica che estetica, esprime la concezione integrale dell'uomo con la natura. La sua semplicità collega le piccole cose all'ordine cosmico: la vita è un'espressione e gli atti riflettono sempre un pensiero. Il temporale è uguale allo spirituale, il piccolo al grande.

Questo concetto si riflette anche nella sala da tè (sukiya), una costruzione effimera dovuta a uno slancio poetico, spogliata di ornamenti, dove si venera l'imperfetto, e lascia sempre qualcosa di incompiuto, che completerà l'immaginazione.

Caratteristica è l'assenza di simmetria, dovuta alla concezione Zen secondo cui la ricerca della perfezione è più importante della perfezione stessa.

La bellezza può essere scoperta solo da chi completa mentalmente l'incompleto. Infine, nel periodo moderno, a partire dal periodo Edo, pur mantenendo i concetti precedenti, furono introdotte alcune nuove categorie estetiche, legate alle nuove classi urbane emerse con la modernizzazione del Giappone:

sui è una certa finezza spirituale, riscontrabile principalmente nella letteratura di Osaka; iki è un'eleganza onesta e diretta, presente soprattutto nel teatro kabuki; karumi è un concetto che esalta la leggerezza come qualità essenziale grazie alla quale si raggiunge la "profondità" delle cose, riflesso soprattutto nella poesia haiku;

shiori è una bellezza nostalgica; hosomi è una prelibatezza che arriva all'essenza delle cose; e sabi è bellezza semplice, spoglia, senza ornamenti né artifici, che esalta valori come povertà e solitudine.

Quest’ultimo si è legato al precedente concetto di wabi, creando una nuova nozione chiamata wabi-sabi, la trascendenza della semplicità, dove la bellezza risiede nell’imperfezione, nell’incompletezza, basata sulla transitorietà e sull’impermanenza. Alla base di tutti questi concetti c’è ancora l’idea dell’arte come processo creativo e non come realizzazione materiale.

Okakura Kakuzō scrisse che "solo gli artisti convinti dell'imperfezione congenita della loro anima sono capaci di generare la vera bellezza".

Periodizzazione dell'arte giapponese

Ai fini dello studio, l'arte del Giappone è divisa in periodi maggiori in termini di produzione artistica e importanti sviluppi politici. La classificazione varia spesso a seconda dei criteri dell'autore e molte di esse possono essere suddivise. D'altro canto ci sono anche divergenze riguardo all'inizio e alla fine di alcuni di questi periodi.

Plastica artistica giapponese 

Periodo Jōmon (11000 a.C.-500 a.C.)

Durante il Mesolitico e il Neolitico il Giappone rimase isolato dal continente, quindi tutta la sua produzione era autoctona, anche se di scarsa importanza. Erano società semi-sedentarie, che vivevano in piccoli villaggi con case scavate nel terreno, traendo le loro risorse alimentari principalmente dalla foresta (cervi, cinghiali, noci) e dal mare (pesci, crostacei, mammiferi marini).

Queste società avevano un'organizzazione elaborata del lavoro e si occupavano della misurazione del tempo, come testimoniano vari resti di pietre circolari a Oyu e Komakino, che fungevano da meridiane.

Apparentemente avevano unità di misura standardizzate, come attestano vari edifici costruiti secondo determinati schemi. Nei vari siti Jōmon sono stati rinvenuti strumenti in osso e pietre levigate, ceramiche e figure antropomorfe. Va notato che la ceramica Jōmon è la ceramica più antica prodotta dall'uomo: i primi resti di ceramica rudimentale risalgono all'11.000 a.C., in piccoli vasi lavorati a mano, con i lati lucidi e gli interni ampi, con senso funzionale e decorazione austera.

Queste vestigia corrispondono ad un periodo chiamato "prejōmon" (11000-7500 a.C.), al quale successe il periodo "arcaico" o "primo Jōmon" (7500-2500 a.C.), dove viene realizzata la più tipica ceramica Jōmon, lavorata a mano e decorata con incisioni o impronte di corda, su una base di una sorta di vasi profondi a forma di giara.

La decorazione di base consisteva in impronte realizzate con fili di fibre vegetali, che venivano pressati sulla ceramica prima della cottura. In diverse zone queste incisioni raggiunsero un elevato grado di elaborazione, con bordi perfettamente cesellati, disegnando una serie di segni tagliati astratti di grande complessità.

In alcune occasioni sono state rinvenute tracce di scene figurate, generalmente disegni antropomorfi e zoomorfi (rane, serpenti), che evidenziano una scena di caccia presente in un vaso rinvenuto a Nirakubo, a nord di Honshū.

Infine, nel "tardo Jōmon" (2500-400 a.C.), i vasi ritornano a forme più naturali, meno elaborate, con ciotole e vasi dal fondo arrotondato, anfore a collo stretto e ciotole con anse, spesso con piede o base rialzata. .

I siti principali della ceramica Jōmon sono: Taishakukyo, Torihama, Togari-ishi, Natsushima, Kamo e Okinohara sull'isola di Honshū; Sobata sull'isola di Kyūshū; e Hamanasuno e Tokoro sull'isola di Hokkaidō.

Oltre ai vasi, diverse statuette in forma umana o animale furono costruite in ceramica, costruite in parti, quindi sono stati trovati pochi resti di pezzi interi. Quelli di forma antropomorfa possono avere attributi maschili o femminili, e alcuni sono stati trovati anche con segni androgini.

Alcuni hanno la pancia sporgente, quindi forse erano legati al culto della fertilità. Vale la pena notare la precisione nei dettagli che alcune figure mostrano, come acconciature elaborate, tatuaggi e abiti . Sembra che in queste società l'ornamento corporale avesse grande rilevanza, soprattutto nelle orecchie, con orecchini in ceramica di diversa manifattura, decorati con pigmenti rossi.

A Chiamigaito (isola di Honshū) sono stati ritrovati più di 1.000 di questi ornamenti, il che fa pensare ad un laboratorio locale per la produzione di questi prodotti. A questo periodo risalgono anche diverse maschere che indicano lavorazioni individualizzate sui volti.

Allo stesso modo, venivano realizzati vari tipi di perle di giadeite verde e sapevano lavorare con la lacca, come dimostrano diverse forcine per capelli trovate a Torihama. Sono stati ritrovati anche resti di spade in avorio, osso o corna di animali.

Periodo Yayoi (500 a.C.-300 d.C.)

Questo periodo vide il definitivo insediamento della società agricola, che portò al disboscamento di vaste aree del territorio. Questa trasformazione portò ad un’evoluzione della società giapponese in campo tecnologico, culturale e sociale, con una maggiore stratificazione sociale e specializzazione del lavoro, e portò ad un aumento delle guerre.

L'arcipelago giapponese era costellato di piccoli stati formati attorno ai clan (uji), tra i quali prevalse il clan Yamato, che diede origine alla famiglia imperiale. Apparve lo shintoismo, una religione mitologica che faceva discendere l'imperatore da Amaterasu, la dea del sole.

Questa religione ha dato origine all'originario senso di purezza e freschezza dell'arte giapponese, con una predilezione per i materiali puri e non decorati, con un senso di integrazione con la natura (kami o supercoscienza).

A partire dal I secolo a.C., la civiltà cominciò ad essere introdotta dal continente, a causa dei rapporti con la Cina e la Corea. La cultura Yayoi apparve sull'isola di Kyūshū intorno al 400-300 a.C., passando a Honshū, dove gradualmente soppiantò la cultura Jōmon. In questo periodo si diffuse una tipologia di grande camera sepolcrale e di tumulo ornato da cilindri in terracotta con figure umane e animali.

Gli insediamenti furono racchiusi da fossati e comparvero vari utensili legati all'agricoltura (soprattutto uno strumento di pietra a forma di mezzaluna utilizzato per la raccolta), oltre a varie armi, come archi e frecce con punte di pietra levigata.

La ceramica veniva prodotta al tornio, principalmente vasi a collo largo, vasi con coperchio, piatti larghi, tazze con manici e bottiglie a collo stretto. Erano di superficie lucida, con decorazioni , principalmente incisioni, punteggiature e serpentine a zig-zag.

La modalità principale era un vaso a forma di vaso chiamato tsubo. Spiccavano i lavori in metallo, soprattutto in bronzo, come le campane dette dotaku, che servivano come oggetti cerimoniali, decorati con spirali (ryusui) a forma di acqua corrente, o animali in rilievo (soprattutto cervi, uccelli, insetti e anfibi), così come come scene di caccia, pesca e lavori agricoli, soprattutto quelli legati al riso.

Il cervo sembra avesse un significato particolare, forse legato a qualche divinità: in molti siti sono state rinvenute una moltitudine di scapole di cervo con incisioni o segni fatti con il fuoco, quindi sarebbe legato a qualche tipo di rituale.

Altri oggetti decorativi trovati nei siti Yayoi includono specchi, spade, varie perle e magatama (pezzi di giada e agata a forma di anacardi, che servivano come gioielli ).

Periodo Kofun (300-552)

Quest'epoca vide il consolidamento dello stato centrale imperiale, che controllava le principali risorse, come il ferro e l'oro. L'architettura si sviluppò preferibilmente in ambito funerario, con caratteristiche tombe a camera e a corridoio dette kofun ("tomba antica"), sopra le quali si innalzavano tumuli terrosi di grandi proporzioni.

Di particolare rilievo sono le grandi tombe degli imperatori Ōjin (346-395) e Nintoku (395-427), dove si conservano vari gioielli, armi, sarcofagi in pietra o terracotta, ceramiche e figure antropomorfe in terracotta chiamate haniwa, costituite da un piedistallo cilindrico e da un mezzo busto, sono stati ritrovati.

Queste statuette erano alte circa 60 centimetri, quasi prive di espressione, solo alcune fessure negli occhi e nella bocca, sebbene costituiscano un esempio di grande attualità dell'arte di questo tempo. A seconda dell'abbigliamento e degli utensili, in queste figure si possono distinguere vari mestieri, come quello di contadini, soldati, sacerdotesse, cortigiane, musicisti e ballerini.

Alla fine di questo periodo apparvero anche figurine di animali, soprattutto cervi, cani, cavalli, cinghiali, gatti, galline, pecore e pesci.

È stata ritrovata una grande varietà di armi (squadre di arcieri, corone con gioielli matagama, staffe di bronzo), che indicano l'importanza dell'establishment militare in questo periodo, le cui caratteristiche stilistiche sono legate alla cultura coreana di Silla, così come un tipo di ceramica chiamata Sueki, scura e di grande finezza, con accessori tintinnanti.

La differenziazione sociale portò all’isolamento delle classi dirigenti in recinti esclusivi all’interno delle città, come a Yoshinogari, per finire definitivamente segregate in recinti isolati come quello di Mitsudera o i complessi di palazzi di Kansai, Ikaruga e Asuka-Itabuki.

In termini di architettura religiosa, i primi templi shintoisti (jinja) erano realizzati in legno, su una piattaforma rialzata e pareti nude o divisorie scorrevoli, con pilastri che sorreggevano il tetto, che è spiovente. Uno dei suoi elementi caratteristici è il torii, un arco d'ingresso che segnala l'accesso ad un luogo sacro.

Vale la pena menzionare il santuario di Ise, che viene ricostruito ogni vent'anni a partire dall'VIII secolo. Comprende due complessi, quello occidentale (Naikū), dedicato ad Amaterasu (dea del sole), e quello orientale (Gekū), dedicato a Toyouke no Ōmikami (dea dell'abbigliamento, del cibo, dell'abitazione, dell'agricoltura e dell'industria), per un totale di di circa 125 santuari.

L'edificio principale (Shoden) ha pianta rialzata e tetto a due falde, su nove colonne, a cui si accede da una scala esterna.

È in stile shinmeizukuri, che riflette il tardo stile Shintō, prima dell'arrivo del Buddismo in Giappone. Il santuario è un centro di pellegrinaggio (o-ise-mairi), poiché, secondo la tradizione, i praticanti Shintō devono visitare il santuario almeno una volta nella vita. Un altro tempio mitico di origine incerta è Izumo Taisha, vicino a Matsue, fondato leggendariamente da Amaterasu. È di stile taishazukuri, considerato il più antico tra i santuari, caratterizzato dall'elevazione dell'edificio su pilastri, con una scalinata come ingresso principale, e semplici finiture in legno non dipinto.

Secondo le cronache il santuario originario aveva un'altezza di 50 metri, ma a causa di un incendio fu ricostruito con un'altezza di 25 metri. I suoi edifici principali sono l'Honden ("santuario interno") e l'Haiden ("santuario esterno"). A questo periodo appartiene anche il Kinpusen-ji, il tempio principale dello shugendō, una religione ascetica che unisce shintoismo, buddismo e credenze animistiche.

La sua struttura comprende il tempio principale o Zaōdō, che è la seconda costruzione in legno più grande del Giappone, superata solo dal Daibutsuden di Tōdai-ji;

insieme alla Porta Niō, è stato elencato come tesoro nazionale del Giappone. In questo periodo troviamo i primi esempi di pittura, come nella sepoltura reale di Ōtsuka e nelle tombe a forma di dolmen di Kyūshū (V-VI secolo), decorate con scene di caccia, guerra, cavalli, uccelli e barche, oppure con spirali e cerchi concentrici.

Erano pitture murali, realizzate con il rosso ematite, il nero carbone, l'ocra gialla, il bianco caolino e il verde clorite. Uno dei disegni rappresentativi di questo periodo è il cosiddetto chokkomon, composto da linee rette e archi disegnati su diagonali o croci, e presente sulle pareti di tombe, sarcofagi, statue e specchi di bronzo.

Periodo Asuka (552-710)

Lo stato Yamato forgiò un regno centralizzato sul modello cinese, incarnato nelle leggi Shōtoku-Taishi (604) e Taika del 646. L'arrivo del Buddismo produsse in Giappone un grande impatto a livello artistico ed estetico, con una forte influenza di Arte cinese.

Particolarmente fruttuoso per l'arte fu il regno del principe Shōtoku (573-621), che favorì il buddismo e la cultura in generale. L'architettura, sotto forma di templi e monasteri, andò in gran parte perduta, comportando la sostituzione delle semplici linee shintoiste con la magnificenza della terraferma.

Come edificio più notevole di questo periodo va menzionato il tempio di Hōryū-ji (607), rappresentante dello stile Kudara (Paikche in Corea). Fu costruito sul sito del tempio Wakakusadera, eretto da Shōtoku e bruciato dai suoi nemici nel 670.

Costruito con planimetria assiale, è costituito da un gruppo di edifici dove spiccano la pagoda (Tō), lo Yumedomo ("sala dei sogni") e il Kondō ("sala d'oro"). È in stile cinese, con il tetto in tegole di ceramica utilizzato per la prima volta.

Un altro esempio caratteristico è il Santuario di Itsukushima (593), costruito sull'acqua, sul Mare Interno di Seto, con il Gojūnotō ("pagoda a cinque livelli"), il Tahōtō ("pagoda a due livelli") e diversi honden (edifici con altari ) svettante tra i suoi edifici. È stato nominato Patrimonio dell'Umanità nel 1996.

La scultura, di tema buddista, era in legno o bronzo: le prime immagini del Buddha furono importate dal continente, ma poi un gran numero di artisti cinesi e coreani si stabilirono in Giappone.

L'immagine di Kannon, nome giapponese del bodhisattva Avalokiteśvara (chiamato Guanyin in cinese), proliferò, come il Bodhisattva Kannon, opera del coreano Tori; il Kannon situato nello Yumedomo del tempio di Hōryū-ji; e il Kannon di Kudara (VI secolo), realizzato da un artista sconosciuto.

Altra opera degna di nota è la Triade Sâkyamuni (623), in bronzo, di Tori Busshi installata nel tempio di Hōryū-ji. In generale, si trattava di opere di uno stile severo, spigoloso e arcaizzante, ispirato allo stile coreano Koguryŏ, come si vede nell'opera di Shiba Tori, che segnò lo "stile ufficiale" del periodo Asuka: il Grande Buddha Asuka (Hoko-ji tempio, 606), Yakushi Buddha (607), Kannon Guze (621), Shaka Triad (623).

Un altro artista che seguì questo stile fu Aya no Yamakuchi no Okuchi Atahi, autore dei Quattro guardiani celesti (shitenno) della Sala d'Oro di Hōryū-ji (645), che nonostante l'aria arcaica presentano un'evoluzione volumetrica nelle forme più arrotondate, con volti più espressivi.

Il dipinto seguiva modelli cinesi, con inchiostro o pigmenti minerali su seta o carta, su pergamene o appesi al muro.

Denota un grande senso del disegno, con opere di grande originalità, come il reliquiario Tamamushi (Hōryū-ji), in legno di canfora e cipresso, con fasce di filigrana di bronzo, che presenta diverse scene ad olio su legno laccato, in una tecnica chiamata mitsuda -i dalla Persia e legato alla pittura cinese della dinastia Wei.

Alla base del reliquiario c'è un jataka (resoconto delle vite precedenti del Buddha), che mostra il principe Mahasattva che offre la propria carne a una tigre affamata. In questo momento, la calligrafia cominciò a guadagnare importanza e ricevette lo stesso livello artistico delle immagini figurative.

Spiccarono anche gli arazzi in seta, come il Tenjukoku Mandala dedicato allo Shōtoku (622). La ceramica, che poteva essere smaltata o non smaltata, aveva una scarsa produzione locale, mentre le importazioni cinesi erano più apprezzate.

Periodo Nara (710-794)

Durante questo periodo la capitale fu stabilita a Nara (710), la prima capitale fissa del mikado. L'arte buddista conobbe il suo periodo di massimo splendore durante questo periodo, mentre l'influenza cinese continuò ad essere forte: i giapponesi vedevano nell'arte cinese un'armonia e una perfezione simili al gusto europeo per l'arte classica greco-romana.

I pochi esempi di architettura del periodo sono edifici dall'aspetto monumentale, come la Pagoda Est di Yakushi-ji, i templi di Tōshōdai-ji, Tōdai-ji e Kōfuku-ji, e il magazzino imperiale Shōso-in a Nara, che conserva una moltitudine di oggetti d'arte risalenti all'epoca dell'imperatore Shōmu (724-749), con opere provenienti dalla Cina, dalla Persia e dall'Asia centrale.

La città di Nara fu costruita secondo una pianta a griglia, seguendo il modello di Chang'an, la capitale della dinastia Tang. Al palazzo imperiale venne data pari importanza quanto al monastero principale, il Tōdai-ji (745-752), costruito secondo una pianta simmetrica in un ampio recinto con pagode gemelle, e caratterizzato dal Daibutsuden, la "sala del grande Buddha", con una grande statua in bronzo del Buddha Vairocana (Dainichi in giapponese) alta 15 metri, donata dall'imperatore Shōmu nel 743.

Ricostruito nel 1700, il Daibutsuden è l'edificio in legno più grande del mondo. Un altro importante recinto del tempio è l'Hokkedō ("sala del loto", chiamata anche Sangatsudō, "sala del terzo mese"), che custodisce un'altra magnifica statua, il Kannon Fukukenjaku, un bodhisattva a otto braccia in lacca, alto quattro metri. e l'influenza Tang, evidente nella serenità e nella placidità dei lineamenti del viso.

D’altro canto, la Pagoda Est di Yakushi-ji fu un tentativo da parte degli architetti giapponesi di trovare un proprio stile, allontanandosi dall’influenza cinese. Si distingue per la sua verticalità, con l'alternanza di tetti di diverse dimensioni, che gli conferiscono l'aspetto di un segno calligrafico. Nella sua struttura risaltano le gronde e i balconi, formati da sbarre di legno intrecciate, nei colori bianco e marrone.

Al suo interno è custodita l'immagine dello Yakushi Nyorai ("Buddha della Medicina"). È registrato come sito del patrimonio mondiale sotto la designazione di monumenti storici dell'antica Nara.

Altrettanto assimilato a livello nazionale fu il Tōshōdai-ji (759), che mostra un netto contrasto tra il Kondō ("sala d'oro"), di solidità, simmetria e verticalità di influenza cinese, e il Kodō ("sala conferenze"), di maggiore semplicità e orizzontalità che denotano la tradizione indigena.

Altro esponente fu il Kiyomizu-dera (778), il cui edificio principale si distingue per l'enorme ringhiera, sorretta da centinaia di pilastri, che sporge dalla collina e offre viste impressionanti sulla città di Kyoto.

Questo tempio era uno dei candidati per l'elenco delle Nuove Sette Meraviglie del Mondo, sebbene non sia stato scelto. Nel frattempo, Rinnō-ji è famoso per il Sanbutsudō ("Sala dei Tre Buddha"), dove si trovano tre statue laminate in oro di Amida, Senjūkannon (Kannon dalle mille braccia) e Batōkannon (Kannon dalla testa di cavallo).

Come santuario shintoista, il Fushimi Inari-taisha (711), dedicato allo spirito di Inari, era particolarmente noto per le migliaia di torii rossi che segnano il percorso lungo la collina su cui è situato il santuario.

La rappresentazione del Buddha era molto sviluppata nella scultura, con statue di grande bellezza: Sho Kannon, Buddha di Tachibana, Bodhisattva Gakko di Tōdai-ji. Nel periodo Hakuhō (645-710), l'allontanamento del clan Soga e il consolidamento imperiale determinarono la fine dell'influenza coreana e la sua sostituzione con quella cinese (dinastia Tang), producendo una serie di opere di maggiore magnificenza e realismo, con forme più rotonde e aggraziate.

Questo cambiamento è percepibile nel gruppo di statue in bronzo dorato di Yakushi-ji, composto dal Buddha seduto (Yakushi) affiancato dai bodhisattva Nikko ("Luce del sole") e Gakko ("Chiaro della luna"), che mostrano maggiore dinamismo nella loro postura contrapposta e una maggiore espressività facciale.

Al contrario, a Hōryū-ji continuò lo stile Tori di origine coreana, come nel Kannon Yumegatai e nella Triade Amida del Reliquiario di Lady Tachibana. Nel tempio di Tōshōdai-ji si trova una triade di statue di dimensioni colossali, realizzate in lacca cava e secca, tra cui spicca il Buddha Rushana centrale (759), alto 3,4 metri.

Ci sono anche rappresentazioni di spiriti guardiani (Meikira Taisho), re (Kamokuten), ecc. Sono opere in legno, bronzo, argilla cruda o lacca secca, di grande realismo.

La pittura è rappresentata dalla decorazione murale di Hōryū-ji (fine VII secolo), come gli affreschi del Kondō, che mostrano somiglianze con quelli di Ajantā in India. Emersero anche varie tipologie, come il kakemono ("dipinto sospeso") e l'emakimono ("dipinto su rotolo"), storie dipinte su un rotolo di carta o di seta, con testi che spiegano le varie scene, chiamati sutra.

Nello Shōso-in di Nara sono presenti una serie di dipinti di soggetto profano, con vari generi e temi: piante, animali, paesaggi e oggetti metallici. A metà del periodo, lo stile pittorico della dinastia Tang divenne di moda, come si può vedere nei murali della tomba di Takamatsuzuka, del 700 circa.

Con il decreto Taiho-ryo del 701, il mestiere del pittore era regolamentato in corporazioni artigiane controllate dal Dipartimento dei Pittori (edakumi-no-tuskasa), sotto il Ministero degli Interni. Queste corporazioni avevano il compito di decorare palazzi e templi e la loro struttura durò fino all'era Meiji. La ceramica si è evoluta notevolmente grazie a varie tecniche importate dalla Cina, come l'uso di colori vivaci applicati all'argilla.

Periodo Heian (794-1185)

Questo periodo vide il dominio del clan Fujiwara, che istituì uno stato centralizzato ispirato al governo cinese, con capitale a Heian (l'attuale Kyoto). Emersero i grandi signori feudali (daimyō) e apparve la figura del samurai.

In questo periodo emerse la scrittura hiragana, che adattò la calligrafia cinese alla lingua giapponese polisillabica, utilizzando caratteri cinesi per i valori fonetici delle sillabe. La rottura dei rapporti con la Cina produsse un'arte più tipicamente giapponese, affiancando all'arte religiosa un'arte secolare che sarebbe stato un fedele riflesso del nazionalismo della corte imperiale.

L'iconografia buddista ebbe un nuovo sviluppo con l'importazione di due nuove sette dal continente, Tendai e Shingon, basate sul buddismo tantrico tibetano, che incorporò elementi shintoisti e produsse un sincretismo religioso caratteristico di quest'epoca.

Shingon era un tipo di buddismo esoterico incentrato sul rapporto tra materia e spirito, che si rifletteva nei mandala, immagini pittoriche o scultoree incentrate sul Diamante (mondo spirituale) e sul Seno Madre (mondo materiale), nonché rappresentazioni del Dainichi Nyorai (il "Grande Sole").

Dal canto suo, Tendai si concentrava sulla salvezza dell'uomo, con una certa moralità di origine confuciana e un grande sincretismo con la religione shintoista. Si dava grande importanza all'arte, si diceva addirittura che i Tendai trasformassero "la religione in arte e l'arte in religione". Uno dei suoi culti principali era quello del Paradiso Occidentale della Pura Terra di Amida, di cui furono realizzate numerose immagini.

Una delle più fiorenti fu l'immagine del raigo-zu, il Buddha che trasporta le anime in Paradiso, che proliferava in numerosi dipinti, come il pannello centrale del Trittico Amida a Hokkeji (Nara).

L'architettura subì una modifica nella pianta dei monasteri, che furono eretti in luoghi appartati, destinati alla meditazione. I templi più importanti sono Enryaku-ji (788), Kongōbu-ji (816) e il santuario-pagoda di Murō-ji. Enryaku-ji, situato nei dintorni del monte Hiei, fa parte dei Monumenti Storici dell'Antica Kyoto, dichiarati Patrimonio dell'Umanità nel 1994.

Fu fondata nel 788 da Saichō, che introdusse in Giappone la setta buddista Tendai. Enryaku-ji arrivò ad avere circa 3000 templi e ai suoi tempi era un enorme centro di potere, la maggior parte dei suoi edifici furono distrutti da Oda Nobunaga nel 1571.

Della parte sopravvissuta spiccano oggi il Saitō ("sala ovest") e il Tōdō ("sala est"), dove si trova il Konpon chūdō, la costruzione più rappresentativa dell'Enryaku ji, dove è collocata una statua del Buddha scolpita da Saichō stesso, lo Yakushi Nyorai, è preservato.

Nell'architettura civile spicca la costruzione del Palazzo Imperiale, in puro stile giapponese. Durante il periodo Fujiwara (897-1185), il tempio fu nuovamente collocato in città, essendo il luogo di incontro delle classi dirigenti. L'architettura religiosa imitava quella dei grandi palazzi, con una decorazione molto sviluppata, come nel monastero di Byōdō-in -detto anche della Fenice-, a Uji (fondato nel 1053).

In questo tempio risalta l'Hōōdō ("Sala della Fenice"), situato sul bordo di un laghetto che gli conferisce un aspetto lirico e spirituale, dalle linee dinamiche ed eleganti dove risaltano i tetti con angoli curvilinei, conferendo un'aria ascensionale. al tutto.

Questa sala conserva un'immagine del Buddha Amida ("Signore della Luce Infinita"), alta 2,5 metri, in legno laccato, opera del maestro Jōchō.

La scultura subì un leggero calo rispetto ai periodi precedenti. Ancora una volta spiccano le rappresentazioni del Buddha (Nyoirin-Kannon; Yakushi Nyorai dal tempio di Jingo-ji a Kyoto; Amida Nyorai nel monastero di Byōdō-in), nonché alcune dee shintoiste (Kichijoten, dea della felicità, equivalente del Lakshmī indiano).

L'eccessiva rigidità della religione buddista limitava la spontaneità dell'artista, il quale era circoscritto da rigidi canoni artistici che ne limitavano la libertà creativa. Tra l'859 e l'877 venne prodotto lo stile Jogan, caratterizzato da figure di una severità quasi intimidatoria, con una certa aria introspettiva e misteriosa, come lo Shaka Nyorai di Murō-ji.

Durante il periodo Fujiwara acquistò preminenza la scuola fondata da Jōchō a Byōdō-in, con uno stile più aggraziato e slanciato rispetto alla scultura di Jogan, raggiungendo proporzioni anatomiche perfette e un grande senso di movimento.

La bottega di Jōchō introdusse le tecniche yosegi e warihagi, che consistevano nel dividere la figura in due blocchi che poi venivano uniti per scolpirli, evitando così la successiva rottura, uno dei principali problemi delle grandi figure. Queste tecniche consentivano anche l'assemblaggio in serie, e furono sviluppate con grande successo nella scuola Kei del periodo Kamakura.

La pittura all'inizio di questo periodo era poco sviluppata, con poca libertà creativa e l'assenza del concetto di spazio. La comparsa della scuola yamato-e ("pittura giapponese") segnò l'indipendenza della pittura giapponese dall'influenza cinese.

Si caratterizza per la sua armonia e la sua concezione diafana e luminosa, con colori accesi e brillanti, linee semplici e decorazioni geometriche. Le opere principali si trovano nei monasteri buddisti (Byōdō-in, Kongōbu-ji).

Di particolare rilievo sono i murali della Sala della Fenice a Byōdō-in, i cui paesaggi sintetizzano per la prima volta il gusto estetico più propriamente giapponese, con il suo senso di malinconica emotività.

Gli elementi tipici cinesi sono sostituiti da altri di gusto giapponese, come i fiori di ciliegio al posto dei susini innevati alla moda nella pittura Tang, o le risaie al posto delle imponenti vette delle montagne cinesi.

Insieme ad altri elementi come il glicine, le orchidee, le peonie, il bambù, la luna, la nebbia, il mare, la pioggia, ecc., venne creato in questo periodo l'immaginario paesaggistico più tipico giapponese.

Allo stesso modo, la composizione asimmetrica, lo spazio vuoto, l'atmosfera eterea, il movimento ondulatorio, i dettagli aneddotici, l'applicazione del colore più a macchie che a pennellate, il carattere lirico ed emotivo dell'insieme saranno tipici della pittura giapponese, sia in murali e in incisioni e schermi.

Nonostante ciò, l’influenza cinese continuò negli edifici pubblici e ufficiali, poiché era legata al prestigio della pubblica amministrazione.

Chiamata kara-e, la pittura cinese prosperò nel circolo imperiale, come si vede in opere come il Paravento dei Saggi e il Paravento del Lago Kunming. La pittura Yamato-e si sviluppò soprattutto nei rotoli scritti a mano chiamati emaki, che combinavano scene pittoriche con l'elegante calligrafia katakana. Questi rotoli narravano passaggi storici o letterari, come il Racconto di Genji, un romanzo della fine del X secolo di Murasaki Shikibu.

Sebbene il testo fosse opera di rinomati calligrafi, le immagini erano generalmente eseguite da cortigiane di corte, come Ki no Tsubone e Nagato no Tsubone, rappresentando un'esibizione dell'estetica femminile che avrebbe avuto grande rilevanza nell'arte giapponese.

Sorse allora una distinzione tra pittura femminile (onna-e) e maschile (otoko-e), che segnò una distinzione percepibile tra il mondo pubblico, considerato maschile -la cui arte manteneva l'influenza cinese- e il mondo privato, di carattere femminile e non solo. propriamente estetica giapponese.

In onna-e, oltre al Racconto di Genji, spiccava l'Heike Nogyo (Lotus Sūtra), commissionato dal clan Taira per il Santuario di Itsukushima, con un totale di 33 rotoli sulla salvezza delle anime proclamata dal Buddismo.

L'otoko-e era più narrativo ed energico dell'onna-e, più ricco di azione, con più realismo e movimento, come nei rotoli Shigisan Engi, sui miracoli del monaco Myoren;

il Ban Danaigon E-kotoba, su una guerra tra clan rivali nel IX secolo; e il Chōjugiga, scene di animali dal segno caricaturale e dal tono satirico, che criticano l'aristocrazia. In questo periodo la ceramica non ebbe una particolare rilevanza, privilegiando invece opere in lacca -generalmente scatole per cosmetici- e oggetti in metallo, dove spiccano gli specchi.

Nella lacca è emersa la tecnica maki-e, che consiste nello spolverare polvere colorata, oro e argento sulla lacca bagnata, creando disegni di grande finezza e tonalità sottile. A volte includeva intarsi di madreperla (raden). i ventagli , decorati con testi di sutra buddisti e scene di genere, acquisirono importanza.

Periodo Kamakura (1185-1392)

Dopo varie dispute tra i clan feudali, il clan Minamoto prevalse e istituì lo shogunato, un governo di tipo militare. In questo periodo venne introdotta in Giappone la setta Zen, che avrebbe avuto una forte influenza sull'arte figurativa.

L'architettura era più semplice, funzionale, meno lussuosa e decorata. L'influenza Zen portò al cosiddetto stile Kara-yo: i monasteri Zen seguivano la planimetria assiale cinese, sebbene l'edificio principale non fosse il tempio, ma la sala di lettura, e il posto d'onore non fosse occupato da una statua di Buddha, ma presso un piccolo trono dove l'abate insegnava ai suoi discepoli.

Di particolare rilievo sono i cinque grandi complessi di templi di Sanjūsangen-dō a Kyoto (1266), così come Kennin-ji (1202) e Tōfuku-ji (1243) a Kyoto, e Kenchō-ji (1253) ed Engaku-ji ( 1282) a Kamakura. Il Kōtoku-in (1252) è famoso per la sua statua in bronzo del Buddha Amida, alta 13 metri e pesante 93 tonnellate, essendo il secondo Buddha più grande del Giappone dopo quello di Tōdai-ji.

Nel 1234 fu costruito il tempio di Chion-in, sede del buddismo Jōdo shū ("Setta della Terra Pura"), noto per il suo colossale cancello principale (Sanmon), che è la più grande struttura del suo genere in Giappone.

Uno degli ultimi esponenti di questo periodo fu Hongan-ji (1321), costituito da due templi principali: il Nishi Hongan-ji, che comprende il Goei-dō ("sala del fondatore") e l'Amida-dō ("sala del Buddha") sale, insieme a un padiglione da tè e due palchi di teatro nō, uno dei quali vanta il più antico sopravvissuto; e l'Higashi Hongan-ji, dove si trova il famoso giardino Shosei-en.

La scultura acquisì un grande realismo, con l'artista che trovò una maggiore libertà creativa, come denotato nei ritratti di nobili e militari, come quello di Uesugi Shigefusa (di un artista anonimo), un militare del XIV secolo.

Le opere Zen si concentravano sulla rappresentazione dei loro maestri, in un tipo di statua chiamata chinzo, come quella del maestro Muji Ichien (1312, autore anonimo), in legno policromo, raffigurante il maestro Zen seduto su un trono, in atteggiamento di meditazione rilassata.

Di particolare importanza per la qualità delle sue opere fu la scuola Kei di Nara, erede della scuola Jōchō del periodo Heian, dove lo scultore Unkei, autore delle statue dei monaci Muchaku e Seshin (Kōfuku-ji di Nara), come nonché immagini dei Kongo Rikishi (spiriti guardiani), come le due statue colossali poste all'ingresso del tempio Tōdai-ji (1199), alte 8 metri.

Lo stile di Unkei, influenzato dalla scultura cinese della dinastia Song, era di grande realismo, catturando allo stesso tempo lo studio fisionomico più dettagliato con l'espressione emotiva e la spiritualità interiore dell'individuo ritratto.

Cristalli scuri venivano addirittura incastonati negli occhi, per conferire maggiore espressività. Il lavoro di Unkei segnò l'inizio della ritrattistica giapponese. La sua opera fu continuata dal figlio Tankei, autore del Kannon Senju per il Sanjūsangen-dō.

La pittura era caratterizzata da un maggiore realismo e introspezione psicologica. Si svilupparono la pittura di paesaggio (La cascata Nachi) e la ritrattistica (Il monaco Myoe in contemplazione di Enichi-bo Jonin; collezione di ritratti del tempio Jingo-ji a Kyoto di Fujiwara Takanobu; ritratto dell'imperatore Hanazono di Goshin).

Ha continuato lo stile yamato-e e la pittura narrativa su rotoli, alcuni lunghi fino a 9 metri. Questi rotoli riflettevano aspetti della vita quotidiana, scene urbane o rurali o illustravano eventi storici, come la guerra del 1159 a Kyoto tra rami rivali della famiglia imperiale.

Erano presentati in scene successive, seguendo un ordine narrativo, con una vista panoramica elevata, come una veduta a volo d'uccello. Di particolare rilievo sono i rotoli illustrati degli eventi dell'era Heiji (Heiji monogatari) e i rotoli Kegon Engi di Enichi-bo Jonin.

Il dipinto legato alla setta Zen aveva un'influenza più direttamente cinese, disegnato con semplici linee di inchiostro di china seguendo la massima Zen secondo cui "troppi colori accecano la vista".

In questo periodo iniziò la produzione di quella che sarebbe diventata la ceramica più tipicamente giapponese iniziò, con la figura di Toshiro in risalto. Crescevano i mestieri destinati alla vita militare, soprattutto armature e spade (katana) costituite da due strati di ferro e acciaio sottoposti ad accensione e immersione, con un caratteristico segno temperato a vapore chiamato ni-e.

Periodo Muromachi (1392-1573)

Durante questo periodo lo shōgunato era retto dagli Ashikaga, le cui lotte intestine favorirono il crescente potere dei daimyō, che si spartirono il territorio. L'architettura era più elegante e tipicamente giapponese, mettendo in risalto palazzi signorili, monasteri come Zuiho-ji e templi come Shōkoku-ji (1382), Kinkaku-ji o Padiglione d'oro (1397) e Ginkaku-ji o Padiglione d'argento (1489) , a Kyoto.

Kinkaku-ji fu costruito come villa di riposo per lo shōgun Ashikaga Yoshimitsu, come parte della sua tenuta chiamata Kitayama. Suo figlio trasformò l'edificio in un tempio della setta Rinzai. Si tratta di un edificio a tre piani, con i due piani superiori ricoperti di foglia d'oro zecchino.

Il padiglione funziona come uno shariden e conserva le reliquie del Buddha. Contiene anche diverse statue di Buddha e figure di bodhisattva, e sul tetto si trova un fenghuang dorato o "fenice cinese". Dispone inoltre di un magnifico giardino adiacente, con uno stagno chiamato Kyōko-chi ("specchio d'acqua"), con numerose isole e pietre che rappresentano la storia della creazione buddista.

Da parte sua, il Ginkaku-ji fu costruito dallo shōgun Ashikaga Yoshimasa, che cercò di emulare il Kinkaku-ji costruito da suo nonno Yoshimitsu, ma sfortunatamente non riuscì a rivestire l'edificio d'argento come aveva previsto.

Caratteristico dell'architettura di questo periodo è anche l'aspetto del tokonoma, una stanza riservata alla contemplazione di un dipinto o di una composizione floreale, in linea con l'estetica Zen. Allo stesso modo venne introdotto il tatami, un tipo di tappeto fatto di paglia di riso, che rendeva più gradevole l’interno della casa giapponese.

Durante questo periodo l'arte del giardinaggio si sviluppò notevolmente, ponendo le basi artistiche ed estetiche del giardino giapponese. Sono emerse due forme principali: tsukiyama, attorno a una collina e un lago; e hiraniwa, un giardino pianeggiante di sabbia rastrellata, con pietre, alberi e pozzi.

La vegetazione più comune è costituita dal bambù e da vari generi di fiori e alberi, siano essi sempreverdi, come il pino nero giapponese, o decidui, come l'acero giapponese, con elementi altrettanto apprezzati come felci e muschi.

Altro elemento tipico del giardinaggio e dell'interior design è il bonsai. I giardini spesso includono un lago o uno stagno, vari tipi di padiglioni (di solito per la cerimonia del tè) e lanterne di pietra . Una delle caratteristiche tipiche del giardino giapponese - come del resto della loro arte - è l'aspetto imperfetto, incompiuto, asimmetrico.

Esistono diversi tipi di giardino: "a passeggio", che si contempla passeggiando lungo un viale o attorno ad un laghetto; "camera", di cui si gode da una posizione fissa, solitamente un padiglione o una capanna di tipo machiya; "tè" (rōji), attorno a un sentiero che conduce alla casa da tè, con piastrelle o pietre per segnare la strada; e la "contemplazione" (karesansui, "paesaggio montano e acquatico"), che è il giardino Zen più tipico, contemplato da una piattaforma situata nei monasteri Zen.

Un buon esempio è il cosiddetto Paesaggio senz'acqua del giardino Ryōan-ji, a Kyoto, opera del pittore e poeta Sōami (1480), che rappresenta un mare -fatto con sabbia rastrellata- pieno di isole -che sono rocce-, creando un insieme che unisce realtà e illusione e invita alla quiete e alla riflessione.

Fiorì anche la pittura, inquadrata nell’estetica Zen, che ricevette l’influenza cinese delle dinastie Yuan e Ming, riflessa principalmente nel decorativismo.

Viene introdotta la tecnica della tempera, perfetta trascrizione della dottrina Zen, che cerca di riflettere nei paesaggi ciò che significano, piuttosto che ciò che rappresentano.

Emerse la figura del bunjinso, il "monaco intellettuale" creatore delle proprie opere, studiosi e seguaci delle tecniche cinesi a inchiostro monocromo, in pennellate brevi e diffuse, che riflettevano nelle loro opere elementi naturali come pini, canne, orchidee, bambù , rocce, alberi, uccelli e figure umane immerse nella natura, in atteggiamento di meditazione.

Alcuni di questi monaci-artisti furono: Mokuan Reien, Gyokuen Bompo, Ue Gukei, ecc. In Giappone a questa tecnica con inchiostro cinese venne dato il nome sumi-e. Basato sui sette principi estetici dello Zen, sumi-e ("pittura a inchiostro") intendeva riflettere le emozioni interiori più intense attraverso la semplicità e l'eleganza, in linee semplici e modeste che trascendono l'aspetto esteriore per indicare uno stato di comunione con la natura. .

Per i monaci Zen, sumi-e era un modo (dō) per cercare la pace interiore e la realizzazione spirituale. Le proprietà tonali sottili e diffuse dell'inchiostro hanno permesso all'artista di catturare l'essenza delle cose, in un'impressione semplice e naturale, ma allo stesso tempo profonda e trascendente.

È un'arte spontanea, di rapida esecuzione, impossibile da ritoccare, un fatto che la lega alla vita, dove è impossibile tornare al passato.

Ogni pennellata esprime energia vitale (ki), poiché è un atto di creazione, dove lo spirito si mette in azione, e dove il processo è più importante del risultato. I principali artisti sumi-e furono: Muto Shui, Josetsu, Shūbun, Sesson Shukei e, soprattutto, Sesshū Tōyō, autore di ritratti e paesaggi, il primo artista a dipingere dal vero. Sesshū era un gaso, monaco-pittore, che viaggiò in Cina tra il 1467 e il 1469, dove studiò arte e paesaggio naturale.

I suoi paesaggi sono composti da strutture lineari, illuminate da una luce improvvisa che riflette il concetto Zen dell'istante trascendentale.

Sono paesaggi con la presenza di elementi aneddotici, come templi in lontananza o piccole figure umane, incorniciate in luoghi nascosti come le scogliere. Emerse anche un nuovo genere di pittura poetica, lo shigajiku, in cui un paesaggio illustra una poesia di ispirazione naturalistica. Da menzionare anche la scuola Kanō, fondata da Kanō Masanobu, che applicò la tecnica della tempera a soggetti tradizionali, illustrando così temi sacri, nazionali e paesaggistici.

La tempera è stata applicata anche su schermi e pannelli dipinti su porte scorrevoli fusuma, caratteristici dell'interior design giapponese. Nella ceramica si distinse la scuola di Seto, la cui tipologia più diffusa è quella cosiddetta temmoku. Notevoli esempi di questo periodo sono anche gli oggetti in lacca e in metallo.

Periodo Azuchi-Momoyama (1573-1603)

In questo periodo il Giappone fu nuovamente unificato da Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi e Tokugawa Ieyasu, che eliminarono il daimyō e si succedettero al potere. Il loro dominio coincise con l'arrivo di commercianti portoghesi e missionari gesuiti, che introdussero il cristianesimo nel paese, sebbene raggiungesse solo una minoranza.

La produzione artistica di questo periodo si allontanò dall'estetica buddista, enfatizzando i valori tradizionali giapponesi, con uno stile magniloquente. L'invasione della Corea nel 1592 portò al trasferimento forzato di molti artisti coreani in Giappone, che si stabilirono in centri di produzione ceramica isolati dal resto.

Sempre in questo periodo si registrano i primi influssi dall'Occidente, che si riflettono nello stile Nanban ("barbari del sud", nome dato agli europei), sviluppato nella scultura miniaturistica, con temi profani, oggetti decorativi in ​​porcellana e paraventi decorati in stile yamato-e, con colori vivaci e foglia d'oro, in scene che narrano l'arrivo degli europei sulle coste giapponesi.

L’influenza occidentale introdusse la pittura a olio e l’uso della prospettiva, anche se in generale non ebbero molto successo nell’arte tradizionale giapponese.

In architettura spicca la costruzione di grandi castelli (shiro), che furono fortificati con l'introduzione delle armi da fuoco occidentali in Giappone. Buoni esempi sono i castelli di Himeji, Azuchi, Matsumoto, Nijō e Fushimi-Momoyama.

Il castello di Himeji, una delle principali costruzioni del periodo, unisce imponenti fortificazioni all'eleganza di una struttura verticale, a cinque piani costruita in legno e gesso, con tetti dalle morbide forme curvilinee simili a quelle dei tradizionali templi giapponesi.

Proliferarono anche le ville rustiche per la cerimonia del tè, composte da piccole ville o palazzi e ampi giardini, e in alcune città furono costruiti teatri di legno per gli spettacoli kabuki.

In pittura, la scuola Kanō ricevette la maggior parte delle commissioni ufficiali, sviluppando la pittura murale dei principali castelli giapponesi. Figure di spicco sono i nomi di Kanō Eitoku e Kanō Sanraku.

Per i castelli, poco illuminati a causa delle strette aperture difensive, creò una sorta di paraventi a fondo dorato che riflettevano la luce e la diffondevano nella stanza, con grandi murali decorati con scene eroiche, animali come tigri e draghi, o paesaggi con la presenza di giardini, stagni e ponti, oppure sulle quattro stagioni, tema abbastanza frequente all'epoca.

Lo stile yamato-e continuò principalmente tra la classe borghese, rappresentata dalla scuola Tosa, che continuò la tradizione epica giapponese di scene e paesaggi storici, mettendo in risalto le figure di Tosa Mitsuyoshi e Tosa Mitsunori.

Ci fu anche un notevole sviluppo della pittura su paraventi, generalmente con inchiostri a guazzo, seguendo lo stile sumi-e, come si vede nel lavoro di Hasegawa Tōhaku (Pineta) e Kaihō Yūshō (Pino e susino al chiaro di luna). Spiccava anche la figura di Tawaraya Sōtatsu, autore di opere di grande dinamismo, in rotoli di manoscritti, paraventi e ventagli.

Creò uno stile lirico e decorativo ispirato alla scrittura waka del periodo Heian, che veniva chiamata rinpa, producendo opere di grande bellezza visiva e intensità emotiva, come Il racconto di Genji, Il sentiero dell'edera, Gli dei del tuono e del vento. , ecc.

La ceramica raggiunse un momento di grande splendore, con lo sviluppo della ceramica per la cerimonia del tè, ispirata alla ceramica coreana, la cui rusticità e aspetto incompiuto traducevano perfettamente l'estetica zen che permea il rito del tè.

Emersero nuovi design, come i piatti nezumi e le brocche per l'acqua kogan, generalmente con un corpo bianco bagnato in uno strato di feldspato e decorato con semplici disegni realizzati con barbottina di ferro.

Era una ceramica spessa, dall'aspetto smaltato, con un trattamento non finito, che dava un senso di imperfezione e vulnerabilità. Seto continuò ad essere uno dei principali centri di produzione, mentre nella cittadina di Mino nacquero due importanti scuole: Shino e Oribe.

Spiccarono anche la scuola Karatsu e due tipi originali di ceramica: Iga, dalla tessitura grossolana e uno spesso strato di smalto, con profonde crepe;

e Bizen, terracotta di colore bruno-rossastro e non smaltata, rimossa mentre era ancora tenera dal tornio per produrre piccole crepe e incisioni naturali che le conferivano un aspetto fragile, sempre secondo l'estetica Zen dell'imperfezione. Uno dei migliori artisti di questo periodo fu Honami Kōetsu, che eccelleva nella pittura ma anche nella poesia, nel giardinaggio, nelle lacche, ecc. Educato nella tradizione artistica proveniente dal periodo Heian e nella scuola di calligrafia Shorenin, fondò una colonia di artigiani a Takagamine, vicino a Kyoto, grazie al terreno donato da Tokugawa Ieyasu.

La colonia era allevata da artigiani della scuola buddista Nichiren e produsse numerose opere di grande qualità.

Si specializzarono in oggetti laccati, principalmente accessori da scrivania, decorati con oro intarsiato e madreperla, oltre a vari utensili e stoviglie per la cerimonia del tè, tra cui spicca la ciotola fujisan, dal corpo rossastro ricoperto da un rivestimento nero e, alla fine, in alto, uno smalto bianco opaco che dà l'effetto della neve che cade.

Periodo Edo (1603-1868)

Questo periodo artistico corrisponde al periodo storico Tokugawa, in cui il Giappone era chiuso a ogni contatto esterno. La capitale venne stabilita a Edo, la futura Tokyo. I cristiani furono perseguitati e i mercanti europei espulsi.

Nonostante il sistema di vassallaggio, proliferarono il commercio e l'artigianato, e apparve una classe borghese che crebbe in potere e influenza, e si dedicò alla promozione delle arti, in particolare dell'incisione, della ceramica, delle lacche e dei tessuti.

Gli edifici più importanti sono il Palazzo Katsura a Kyoto e il mausoleo di Tōshō-gū a Nikkō (1636), che fa parte dei "Santuari e Templi di Nikkō", patrimonio dell'umanità riconosciuto dall'UNESCO nel 1999.

Di forme ibride shinto-buddiste, è il mausoleo dello shōgun Tokugawa Ieyasu. Il tempio è una struttura rigidamente simmetrica con rilievi colorati che coprono l'intera superficie visibile. È degno di nota per i suoi edifici colorati e gli ornamenti sovraccarichi che si discostano dagli stili dei templi di quell'epoca.

Gli interni sono decorati con laccature, sculture colorate dettagliate e pannelli dipinti magistralmente. Il Palazzo Katsura (1615-1662) fu costruito con una pianta asimmetrica di ispirazione Zen, dove le linee rette della facciata esterna contrastano con la sinuosità del giardino circostante.

Villa dei resti della famiglia imperiale, comprende un edificio principale (Shoin), diversi padiglioni, case da tè e un parco di sette ettari. Il palazzo principale, che ha un unico piano, è diviso in quattro padiglioni collegati agli angoli: Shōkintei, Shōkatei, Shōiken e Gepparō.

Sono tutti rialzati su pilastri e costruiti in legno con pareti imbiancate e porte scorrevoli che conducono al giardino e contengono dipinti di Kanō Tan'yū.

Caratteristiche di questo periodo sono anche le case da tè (chashitsu) , solitamente piccole costruzioni in legno con tetto in bálago, circondate da giardini in stato di apparente abbandono, con licheni, muschi e foglie cadute, seguendo il concetto Zen di imperfezione trascendente.

La pittura si sviluppò notevolmente, acquisendo grande vitalità. Funzionava in diversi formati, da pannelli a muro e schermi a pergamene, ventagli e piccoli album. L'incisione su legno divenne molto popolare, con l'emergere di un'importante industria nei centri urbani specializzata in testi illustrati e stampe.

Inizialmente venivano incisi con inchiostro nero su carta colorata a mano, ma a metà del XVIII secolo emerse nishiki-e

Continuò lo stile rinpa iniziato da Sōtatsu nell'opera di Ōgata Kōrin, uno dei più grandi artisti dell'epoca. La sua produzione, allegra e sardonica, si rivolgeva alle classi mercantili, con opere di un'eleganza urbana e di un realismo un po' irriverente, pur con grande virtuosismo e una profonda conoscenza dei maestri classici, come dimostra negli schermi Red and White Plums, Onde, Iris e la storia di Ise.

La scuola Kanō ricevette le principali commissioni governative ufficiali, con uno stile estetico Zen dalle forti pennellate.

Il suo principale rappresentante fu Kanō Tan'yū, nipote di Kanō Eitoku, che lavorò nel palazzo imperiale e nel castello di Nagoya, svolgendo allo stesso tempo un notevole lavoro accademico raccogliendo appunti su tutti i tipi di opere d'arte, con commenti e schizzi ( shukuzu) delle opere, grande fonte di informazioni per la storiografia artistica.

La scuola Tosa era rappresentata da Tosa Mitsuoki, che continuò l'epica tradizione yamato-e.

Nel XVIII secolo apparve la scuola nanga o “pittura idealistica”, di segno confuciano promossa dallo shogunato Tokugawa, fortemente influenzato dall'arte cinese, che consideravano la culla della loro civiltà.

Adottò lo stile wenren dei pittori studiosi dilettanti cinesi, ridotti a piccoli circoli intellettuali composti da professionisti di diversa estrazione, dai samurai ai monaci, mercanti e funzionari. Il suo principale punto di riferimento fu la scuola di Li Guo della dinastia Song, dalla pennellata ampia e curvilinea, che raggiunse il Giappone attraverso la scuola coreana di An Kyon.

Il centro nevralgico del nanga era il monastero Mampuku-ji, fondato nel 1661 alla periferia di Kyoto, divenuto il centro della cultura cinese in Giappone. Il soggetto principale raffigurato era il paesaggio, spesso con elementi come fiori e uccelli, ed era comune la combinazione di pittura e poesia (haiga).

Questa scuola ha prodotto diversi artisti di grande qualità: Ikeno Taiga, Yosa Buson, Uragami Gyokudō, Aoki Mokubei, Tani Bunchō, Gibon Sengai, Hakuin Ekaku, ecc.

Un'altra interessante scuola pittorica nacque a Kyoto, fondata da Maruyama Ōkyo, che unì varie tecniche e influenze, da quelle cinesi a quelle occidentali, apprese attraverso le incisioni olandesi.

Realizzò cartigli e paraventi con paesaggi e campiture dorate, caratteristica del suo stile essendo la resa del paesaggio con schizzi presi direttamente dalla natura.

I suoi discepoli furono Matsumura Goshun, cofondatore con Ōkyo della scuola Maruyama-Shijō;

Itō Jakuchū, artista di grande personalità che si dedicò al genere della natura morta, raro fino ad allora in Giappone; e Nagasawa Rosetsu, che padroneggiava le tecniche occidentali di prospettiva e chiaroscuro. La scuola più conosciuta e degna di nota era quella delle ukiyo-e ("stampe del mondo che scorre") , nota per la sua rappresentazione di tipi e scene popolari.

Sviluppatosi attorno alla tecnica dell'incisione -prevalentemente xilografia-, era uno stile laico e plebeo, eminentemente urbano, che, ispirandosi a temi aneddotici e scene di genere, conferiva loro un lirismo e una bellezza straordinari, con una sottile sensibilità e un gusto raffinato di grande modernità.

Il fondatore fu Hishikawa Moronobu, seguito da figure come Okumura Masanobu, Suzuki Harunobu, Isoda Koryūsai e Torii Kiyonobu, fondatore della scuola Torii. Diversi artisti si specializzarono nel riprodurre gli attori del teatro popolare kabuki giapponese (yakusha-e, "tableaux degli attori"), con una certa aria caricaturale, tra cui Torii Kiyomasu, Torii Kiyomitsu e, soprattutto, Tōshūsai Sharaku.

Un altro genere abbastanza comune era il bijin-ga ("dipinti di belle donne") , che raffiguravano geishe e cortigiane in atteggiamenti intimi e scene da boudoir, con grande dettaglio, soprattutto nei loro abiti, come indicato nell'opera di Torii Kiyonaga, Kitagawa Utamaro e Keisai Eisen.

Un'altra variante erano le shunga ("impronte primaverili"), dal contenuto più esplicitamente erotico. La pittura di paesaggio fu introdotta da Utagawa Toyoharu, fondatore della scuola Utagawa, che applicò la prospettiva occidentale al paesaggio giapponese.

All'inizio del XIX secolo, quando l'arte ukiyo-e sembrava declinare, apparve la grande figura di Katsushika Hokusai, autore di circa 30.000 disegni che compilò in 15 volumi, che intitolò Manga (1814). Rifletteva soprattutto la vita urbana di Edo, con un certo tocco umoristico, in uno stile energico dai tratti forti.

Fu anche un grande rappresentante della pittura di paesaggio, uno dei suoi motivi principali è il Monte Fuji, in scene di grande colore, con un timbro fortemente personale, né realistico né idealizzato, riflettendo sempre la visione interiore dell'artista. Uno dei suoi ultimi esponenti e grande maestro della scuola fu Utagawa Hiroshige, anche lui un grande paesaggista, come indicato nel suo Cento famose vedute di Edo.

Aveva uno stile più realistico di Hokusai, ma più lirico ed evocativo, spesso utilizzando una prospettiva di sfondi incorniciati in primo piano da rami, foglie o altri oggetti.

La ceramica aveva uno dei suoi maggiori centri di produzione a Kyoto, influenzata dall'arte cinese e coreana; il suo artista principale era Nonomura Ninsei. Ad Hagi emerse una scuola di influenza coreana, caratterizzata dall'uso di forme semplici e tonalità chiare, in cui spicca la figura di Ōgata Kenzan, fratello di Ōgata Kōrin.

Continuarono le ceramiche destinate alla cerimonia del tè, decorate con elementi apparentemente irregolari e asimmetrici, come segni e linee dal taglio quasi astratto, secondo l'ideale di imperfezione dell'estetica Zen.

In questo periodo furono prodotte le prime porcellane, con un primo centro produttivo ad Arita, nella prefettura di Saga (detta porcellana di Imari), dove il vasaio coreano Yi Sam-pyeong trovò nel 1616 un tipo di argilla bianca ideale per la porcellana.

Da segnalare le scuole Kakiemon, Nabeshima e Ko-Kutami, che produssero una serie di piatti, ciotole e bottiglie di sakè di grande qualità e raffinatezza, con smalti decorati in blu, verde, giallo, rosso, beige e melanzana chiaro.

Proliferarono anche oggetti in lacca, metallo, avorio e madreperla, e oggetti come inro (scatole di medicinali), netsuke (ciondoli scolpiti) e tsuba (protezioni per la spada) raggiunsero una grande qualità artistica.

Allo stesso modo, l'arte tessile, principalmente in seta, divenne molto importante e raggiunse livelli qualitativi molto elevati, tanto che spesso tuniche di seta ( kimono ) dai colori vivaci e disegni raffinati venivano appese in stanze separate, come se fossero paraventi.

Sono state utilizzate varie tecniche, come la tintura, il ricamo, il broccato, il rilievo, l'applicazione e la pittura a mano. La seta era riservata solo alle classi agiate, mentre il popolo indossava il cotone, realizzato secondo la tecnica ikat indonesiana, filato in sezioni e tinto in indaco alternato a bianco.

Un'altra tecnica di minore pregio era l'intreccio di fili di cotone di diversi colori, con tinture fatte in casa applicate in modo batik mediante una pasta di riso e crusca di riso bollita e impastata.

Vale la pena notare che, così come nel XIX secolo l'arte giapponese fu influenzata dall'arte occidentale, anche quest'ultima fu influenzata dall'esotismo e dalla naturalezza dell'arte giapponese. Nacque così in Occidente il cosiddetto Japonisme, sviluppatosi soprattutto nella seconda metà dell'Ottocento, soprattutto in Francia e Gran Bretagna.

Si manifestò nelle cosiddette japonaiseries, oggetti ispirati alle stampe giapponesi, porcellane, lacche, ventagli e oggetti in bambù, che divennero di moda sia nella decorazione d'interni che in numerosi indumenti personali che riflettevano la fantasia e il decorativismo dell'estetica giapponese.

In pittura, lo stile della scuola ukiyo-e fu accolto con entusiasmo e le opere di Utamaro, Hiroshige e Hokusai furono molto apprezzate. Gli artisti occidentali imitarono la costruzione spaziale semplificata, i contorni semplici, lo stile calligrafico e la sensibilità naturalistica della pittura giapponese.

Alcuni dei maggiori artisti che ricevettero questa influenza furono: Édouard Manet, James Abbott McNeill Whistler, James Tissot, Mary Cassatt, Pierre Bonnard, Georges Ferdinand Bigot, Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Paul Gauguin, Henri de Toulouse-Lautrec, Vincent van Gogh, Gustav Klimt, ecc.

Periodo contemporaneo (dal 1868)

Il periodo Meiji (1868-1912) vide l’inizio di un profondo rinnovamento culturale, sociale e tecnologico in Giappone, che divenne più aperto al mondo esterno e cominciò a recepire i nuovi progressi raggiunti in Occidente.

La Carta del 1868 abolì i privilegi feudali e le distinzioni di classe, il che non portò ad un miglioramento delle classi proletarie, che sprofondarono nella miseria. Iniziò un’era di forte espansionismo imperialista, che portò alla Seconda Guerra Mondiale.

Dopo la guerra, il Giappone ha vissuto un processo di democratizzazione e sviluppo economico che lo ha reso una delle maggiori potenze economiche mondiali e un centro leader nella produzione industriale e nell'innovazione tecnologica.

L'era Meiji fu seguita dalle epoche Taishō (1912-1926), Shōwa (1926-1989) e Heisei (1989-). A partire dal 1930, la progressiva militarizzazione ed espansione in tutta la Cina e nell'Asia meridionale, con il conseguente aumento delle risorse destinate al bilancio militare, portò ad un calo del mecenatismo artistico.

Tuttavia, con il boom economico del dopoguerra e la nuova prosperità raggiunta con l’industrializzazione del Paese, rinascono le arti, ormai pienamente immerse nei movimenti artistici internazionali a causa del processo di globalizzazione culturale.

Allo stesso modo, la prosperità economica ha favorito il collezionismo, con la creazione di numerosi musei e centri espositivi che hanno aiutato la diffusione e la conservazione dell’arte giapponese e internazionale.

In ambito religioso, l’affermazione durante l’era Meiji dello Shintoismo come unica religione ufficiale (Shinbutsu bunri) portò all’abbandono e alla distruzione dei templi e delle opere d’arte buddiste,

che sarebbe stata irreparabile senza l'intervento di Ernest Fenollosa, professore di filosofia all'Università Imperiale di Tokyo, che insieme al magnate e mecenate William Bigelow salvò un gran numero di opere che alimentavano la collezione d'arte buddista del Museo di Belle Arti di Boston e la Freer Gallery of Art di Washington, DC,

che fu poi trasferito al Museum of Fine Arts di Boston e alla Freer Gallery of Art di Washington, DC, dove divenne un museo di arte buddista.

C., due delle più belle collezioni al mondo di arte asiatica. L'architettura presenta una duplice direzione: tradizionale (Santuario Yasukuni, templi Heian Jingu e Meiji a Tokyo) e influenza europea, che incorpora nuove tecnologie (Museo Yamato Bunkakan di Isohachi Yoshida a Nara).

L'occidentalizzazione portò alla costruzione di nuovi edifici come banche, fabbriche, stazioni ferroviarie ed edifici pubblici, costruiti con materiali e tecniche occidentali, emulando inizialmente (fine XIX secolo) l'architettura vittoriana inglese. Anche alcuni architetti stranieri lavorarono in Giappone, come Frank Lloyd Wright (Imperial Hotel, Tokyo).

L'architettura e l'urbanistica ricevettero un grande impulso nel secondo dopoguerra, dovuto alla necessità di ricostruire il Paese. Emerse una nuova generazione di architetti, guidata da Kenzō Tange, autore di opere come il Museo Memoriale della Pace di Hiroshima, la Cattedrale di Santa Maria a Tokyo, lo Stadio Olimpico per le Olimpiadi di Tokyo del 1964, ecc.

Tange e i suoi discepoli svilupparono il concetto di architettura intesa come “metabolismo”, considerando gli edifici come forme organiche che devono adattarsi alle esigenze funzionali. Movimento fondato nel 1959, avevano un'idea della città del futuro abitata da una società massificata, caratterizzata da strutture flessibili ed estensibili con crescita di tipo organico.

Tra i suoi membri c'erano Kishō Kurokawa, Akira Shibuya, Youji Watanabe e Kiyonori Kikutake. Altro esponente fu Maekawa Kunio che, insieme a Tange, introdusse le antiche idee estetiche giapponesi nei rigidi edifici contemporanei, utilizzando nuovamente tecniche e materiali tradizionali come il tatami e l'uso dei pilastri -elemento costruttivo tradizionale nei templi giapponesi-, o l'integrazione di giardini e sculture nei loro progetti.

Un altro principio estetico giapponese, quello del vuoto, è stato studiato da Fumihiko Maki nel rapporto spaziale tra l'edificio e l'ambiente circostante.

A partire dagli anni '80, l'arte postmoderna ha avuto una forte presenza in Giappone, poiché la fusione tra l'elemento popolare e la raffinatezza delle forme è stata caratteristica del Giappone fin dall'antichità.

Questo stile è stato rappresentato principalmente da Arata Isozaki, autore del Museo d'arte Kitakyūshū e della Sala concerti di Kyoto. Isozaki studiò con Tange e nel suo lavoro sintetizzava concetti occidentali con idee spaziali, funzionali e decorative tipiche del Giappone.

Da parte sua, Tadao Andō ha sviluppato uno stile minimalista, con grande attenzione al contributo della luce e degli spazi aperti verso l'esterno (Cappella sull'acqua, Tomanu, Hokkaidō; Chiesa della luce, Ibaraki, Osaka; Museo dei bambini, Himeji).

Shigeru Ban è noto per l'uso di materiali non convenzionali, come carta o plastica: dopo il terremoto di Kōbe del 1995, che lasciò molte persone senza casa, Ban contribuì progettando The Paper House e The Paper Church.

Infine, Toyō Itō ha esplorato l’immagine fisica delle città dell’era digitale (Torre dei Venti, Yokohama; Sendai Mediatheque, Sendai; Mikimoto Ginza 2 Building, Tokyo). Anche nella scultura esisteva un dualismo tra tradizione e avanguardia, in cui spiccavano i nomi di Yoshi Kinuchi e Romorini Toyofuku, nonché degli astrattisti Masakazu Horiuchi e Yasuo Mizui, quest'ultimo stabilitosi in Francia. Isamu Noguchi e Nagare Masayuki hanno raccolto la ricca tradizione scultorea del loro paese in opere che studiano il contrasto tra la ruvidità e la lucentezza del materiale.

Anche la pittura seguì due correnti: tradizionale (nihonga) e occidentalista (yōga), sebbene indipendente da entrambe, la figura di Tomioka Tessai si distinse all'inizio del XX secolo.

Lo stile nihonga fu promosso alla fine del XIX secolo dal critico d'arte Okakura Kakuzō e dall'educatore Ernest Fenollosa, cercando nell'arte tradizionale la forma archetipica di espressione della sensibilità giapponese, sebbene questo stile ricevesse anche qualche influenza occidentale, soprattutto da parte di preraffaellismo e romanticismo.

Era rappresentato principalmente da Hishida Shunsō, Yokoyama Taikan, Shimomura Kanzan, Maeda Seison e Kobayashi Kokei.

Lo stile pittorico europeista si nutre inizialmente delle tecniche e dei temi in vigore in Europa alla fine del XIX secolo, legati principalmente all'accademismo -come nel caso di Kuroda Seiki, che studiò nove anni a Parigi-, ma in seguito seguì lo stile diverse correnti che si stavano producendo nell’arte occidentale:

Il gruppo Hakubakai raccolse l'influenza impressionista;

la pittura astratta aveva come protagonisti Takeo Yamaguchi e Masanari Munai; tra gli artisti figurativi spiccarono Fukuda Heichachirō, Tokuoka Shinsen e Higashiyama Kaii. Alcuni artisti si stabilirono fuori dal loro paese, come Genichiro Inokuma negli Stati Uniti e Tsuguharu Foujita in Francia. Nel periodo Taishō, lo stile yōga predominava sul nihonga, sebbene il maggiore uso della luce e della prospettiva occidentali diminuisse le differenze tra le due correnti.

Proprio come il nihonga adottò ampiamente le innovazioni del post-impressionismo, lo yōga manifestò una propensione per l’eclettismo, con l’emergere di una grande diversità di movimenti artistici divergenti. Durante quest'epoca fu fondata l'Accademia giapponese di belle arti (Nihon Bijutsuin).

La pittura dell'era Shōwa fu segnata dal lavoro di Yasurio Sotaro e Umehara Ryuzaburo, che introdussero i concetti di arte pura e pittura astratta nella tradizione nihonga.

Nel 1931 fu fondata l'Associazione d'arte indipendente (Dokuritsu Bijutsu Kyokai) per promuovere l'arte d'avanguardia. Durante la seconda guerra mondiale, la censura e i controlli governativi consentirono solo l’espressione di temi patriottici. Nel dopoguerra, gli artisti giapponesi prosperarono nelle grandi città -in particolare a Tokyo-, creando un'arte urbana e cosmopolita, che seguiva con devozione le innovazioni stilistiche prodotte a livello internazionale, soprattutto a Parigi e New York.

Dopo gli stili astratti degli anni '60, gli anni '70 vedono un ritorno al realismo favorito dalla pop art, come si può vedere nell'opera di Shinohara Ushio. Nonostante ciò, alla fine degli anni '70 si verificò un ritorno all'arte tradizionale giapponese, nella quale si vide maggiore espressività e forza emotiva.

La tradizione dell'incisione è continuata nel XX secolo in uno stile di "stampe creative" (sosaku hanga) disegnate e scolpite da artisti preferibilmente in stile nihonga, come Kawase Hasui, Yoshida Hiroshi e Munakata Shiko.

Tra le ultime tendenze, abbastanza rinomato nell'ambito della cosiddetta action art, ebbe una certa fama il gruppo Gutai, che assimilò l'esperienza della Seconda Guerra Mondiale attraverso azioni piene di ironia, con un grande sentimento di tensione e di aggressività latente. I suoi membri includono: Jirō Yoshihara, Sadamasa Motonaga, Shozo Shimamoto e Katsuō Shiraga.

Legati all'arte postmoderna sono diversi artisti immersi nel recente fenomeno della globalizzazione, segnato dalla multiculturalità delle espressioni artistiche:

Shigeo Toya, Yasumasa Morimura. Altri artisti di spicco del Giappone contemporaneo sono: Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko Kubota, Yoshitomo Nara e Takashi Murakami.

Arte giapponese Altre espressioni artistiche

Letteratura

La letteratura giapponese ha una forte influenza cinese, principalmente dovuta all'adozione della scrittura cinese. La più antica testimonianza conservata è il Kojiki (Racconti di cose antiche), una sorta di storia universale di taglio mitico e teogonico. Un'altra testimonianza di rilevanza sono i Nihonshoki (Annali del Giappone).

La poesia è rappresentata dalla Man'yōshū (Raccolta di diecimila foglie), un'antologia di poesie di vario genere, con una grande varietà tematica e stilistica, scritta da diversi autori, tra cui Otomo Yakamochi e Yamanoue Okura.

Durante il Medioevo giapponese, la letteratura continuò sotto l'influenza di quella cinese, soprattutto nella poesia, dove la produzione maggiore fu nella lingua cinese, considerata più colta: abbiamo così il Kaifuso (Teneri ricordi di poesia, 751), un'antologia di vari poeti.

Nel periodo Heian si assiste ad una rinascita della letteratura giapponese, soprattutto nella narrativa: Genji Monogatari (Racconto di Genji), di Murasaki Shikibu, è un classico della letteratura giapponese, che descrive il mondo della nobiltà con un linguaggio semplice, a volte dal tono erotico.

La poesia del periodo fu raccolta nell'antologia imperiale Kokinshu, dove la natura era preferenzialmente esaltata, scritta in waka (composizione di 31 sillabe).

Nel periodo Kamakura, la letteratura risentì delle continue guerre feudali, riflesse in una narrazione dal tono pessimista e desolato: Hojoki (Narrazione della mia capanna), di Kamo no Chomei. Degni di nota del periodo Muromachi sono Tsurezuregusa (Saggi in svago) di Yoshida Kenkō e l'anonimo Sannin Hoshi (I tre sacerdoti).

Musica

La musica giapponese ha avuto le sue prime manifestazioni nell'honkyoku ("pezzi originali"), risalenti al XIX secolo a.C., così come nei min'yō, canzoni popolari giapponesi. I riti shintoisti prevedevano che i cori recitassero un trillo lento accompagnato dal flauto di bambù (yamate-bue) e dalla cetra a sei corde (yamato-goto).

La forma principale di musica e danza shintoista è la kagura, basata sul mito di Amaterasu, dea del sole.

Viene eseguito con gli strumenti sopra menzionati e altri come l'hichiriki (oboe) e tamburi come l'o-kakko e l'o-daiko. L'arrivo del Buddismo portò influenze straniere, dando origine a due correnti: la musica per mano sinistra, di origine indiana e cinese; e musica per mano destra, di origine manciù e coreana.

Queste correnti utilizzavano strumenti come il biwa (liuto a manico corto), il taiko (tamburo giapponese), il kakko (tamburo cinese), lo shôko (gong), il sô-no-koto (cetra), il koma-bue ( flauto traverso), l'hichiriki (oboe), l'ôteki (flauto traverso) e lo shô (organo soffiato).

C'era anche un'ampia varietà di tipi di musica tradizionale: due degli stili più antichi erano shōmyō ("uomo grasso che canta") e gagaku ("musica divertente"), entrambi dei periodi Nara e Heian.

Inoltre, il gagaku è diviso in sōgaku (musica strumentale) e bugaku (musica e danza). Durante il periodo Edo la musica era prevalentemente da camera, di tipo profano, sviluppata con vari strumenti tra cui spiccano lo shamisen (liuto a tre corde), lo shakuhachi (flauto di bambù) e il koto (cetra a 13 corde).

Il koto, soprattutto, ebbe un grande boom a partire dal XVII secolo, essendo reso popolare dal musicista cieco Yatsushashi. Veniva suonato da solo, con diverse variazioni (dan) di 52 battute (hyoshi), oppure accompagnato dalla voce (kumi).

Arti dello spettacolo

In teatro apparve nel XIV secolo la modalità detta nō, dramma lirico-musicale in prosa o in versi, a tema storico o mitologico. Le sue origini affondano nell'antica danza kakura e nella liturgia shintoista, anche se in seguito fu assimilata dal buddismo.

È caratterizzato da una trama schematica, con tre personaggi principali: il protagonista (waki), un monaco itinerante e un intermediario.

La narrazione è recitata da un coro, mentre gli attori principali si esibiscono gestuali, in movimenti ritmici. Le scenografie sono austere, in contrapposizione alla magnificenza dei costumi e delle maschere. Il suo principale esponente fu Chikamatsu Monzaemon. Durante il periodo Edo emerse la modalità kabuki, che sintetizzava le antiche tradizioni della musica e della performance, nonché del mimo e della danza, con temi che spaziavano dal mondano al mistico. Proprio come il nō aveva un tono aristocratico, il kabuki sarebbe l'espressione del popolo e della borghesia.

L'allestimento era di grande ricchezza, con scenografie in cui risaltavano la composizione cromatica, gli abiti lussuosi e il trucco simbolico, che rappresentavano diversi personaggi o stati d'animo a seconda del colore.

La dizione era di tipo rituale, un misto di canto e recitativo, in ondulazioni che esprimevano la posizione o il carattere del personaggio. Durante il periodo Edo la letteratura si evolse verso un maggiore realismo, generalmente con toni costumbristi e con una sottile vena umoristica, come si vede nell'opera di Saikaku Ihara, Jippensha Ikku ed Ejima Kiseki. In poesia, la modalità principale è l'haiku, una composizione di 17 sillabe, generalmente di tono bucolico, incentrata sulla natura e sul paesaggio, tra cui spiccano Matsuo Bashō, Yosa Buson e Kobayashi Issa.

Proseguì il genere waka, generalmente in cinese, rappresentato principalmente da Rai Sanyo.

Nel diciannovesimo secolo, il romanziere Takizawa Bakin, autore di Satomi Kakkenden (Le vite di otto cani), era prominente. In epoca contemporanea la letteratura ha ricevuto - come nel resto delle arti - l'influenza occidentale, percepibile a partire dalla fine del XIX secolo nell'influenza esercitata da autori come Victor Hugo e Lev Tolstoj, principalmente in romanzieri come Mazamune Hakucho, Kafū Nagai , Natsume Sōseki, Morita Sohei, Yasunari Kawabata (Premio Nobel per la letteratura nel 1968), ecc.

Questa generazione fu stroncata dalla Seconda Guerra Mondiale, quando fu imposta una severa censura. Successivamente, le lettere giapponesi sono state immerse nelle correnti d'avanguardia, anche se alcuni scrittori hanno continuato con lo stile tradizionale, come Shōhei Ōka, Hotta Yoshie e Fukuda Tsuneari.

I principali scrittori contemporanei includono Yukio Mishima, Kōbō Abe, Shintarō Ishihara, Ito Sei, Murō Saisei, Miki Rofu, Satō Haruo e Kenzaburō Ōe (premio Nobel nel 1994).

Cinema

Il cinema giapponese unisce la tecnologia moderna ai temi tradizionali, con un particolare senso estetico che attribuisce grande importanza al testo visivo. Introdotto nel 1896, ha sempre goduto di grande popolarità. Nel 1908 furono creati i primi studi cinematografici giapponesi, tra i quali si distingueranno successivamente Nikkatsu (creato nel 1912) e Shōchiku (apparso nel 1920).

Fin dall'inizio, il cinema ha preso molto in prestito dal teatro tradizionale giapponese e si è diviso in due tendenze: gendai-geki, con un tema contemporaneo, e jidai-geki, con un tema storico.

Il cinema muto incorporava figure come l'onnagata, un'attrice che interpreta un ruolo femminile, e la benshi, una voce recitante che commenta il film durante la proiezione. Tra i primi registi c'erano Yasujirō Ozu e Mikio Naruse. Nel 1931 venne introdotto il cinema sonoro, con l'emergere della grande figura di Kenji Mizoguchi (Le sorelle di Gion, 1936).

Con il conflitto sino-giapponese i film di guerra divennero di moda, e durante la guerra mondiale il cinema fu uno strumento di propaganda nazionalista. Nel dopoguerra si ebbe una maggiore influenza occidentale e avanguardistica, con uno stile tra il tradizionale e l'innovativo che, insieme alle scritte elaborate, si distinse per l'idealizzazione visiva e il valore dato alla fotografia.

Il principale esponente di questo periodo fu Akira Kurosawa, autore di opere come Rashōmon (1950), I sette Samurai (1954), Yojimbo (1961), Dersu Uzala (1975), Kagemusha (1980) e Ran (1985).

Si sono distinti registi successivi come Nagisa Ōshima, Hiroshi Inagaki, Kon Ichikawa, Masaki Kobayashi, Shohei Imamura, Kinji Fukasaku, Hayao Miyazaki, Takeshi Kitano, Takashi Miike, Mamoru Oshii, Hirokazu Koreeda, ecc.

Fumetto

Il Giappone è il centro di produzione dei manga, un genere di fumetti che ha avuto un grande successo internazionale a partire dagli anni '80. È caratterizzato da lunghi poemi epici di grande dinamismo, con abbondanti effetti sonori, che hanno origine nella tradizione grafica ukiyo-e.

Sebbene il suo esordio sia legato alla rivista Manga Shōnen (1947), di Osamu Tezuka, sarà alla fine degli anni '80 che raggiungerà la sua massima ripercussione, con Akira di Katsuhiro Otomo (1982-93) e Dragon Ball di Akira. Toriyama (1984-95).

Dai suoi inizi con un'estetica un po' infantile, i manga si sono evoluti verso uno stile più realistico e fotografico, aprendosi a nuovi generi e tipologie e incorporando elementi satirici, umoristici, terrificanti, violenti ed erotici (hentai).

Tra i principali creatori di questi ultimi anni spiccano: Fujio Akatsuka, Tetsuya Chiba, Riyoko Ikeda, Shigeru Mizuki, Gō Nagai, Keiji Nakazawa, Monkey Punch, Tsukasa Hōjō, Ryōichi Ikegami, Masakazu Katsura, Mitsuru Adachi, Jirō Taniguchi, Takehiko Inoue, Eiichiro Oda, Masashi Kishimoto, Masami Kurumada, Naoko Takeuchi, Chiho Saito e Hiro Mashima.

Videogiochi

Il Giappone è uno dei principali paesi produttori di videogiochi, genere artistico riconosciuto in Europa dai premi BAFTA e recentemente negli Stati Uniti dal NEA. I videogiochi attraversarono una crisi nel 1983, ma grazie al designer giapponese Shigeru Miyamoto, riuscirono ad andare avanti e fanno ancora parte della cultura contemporanea del Giappone.

Uno dei primi successi dell'industria dei videogiochi giapponese è stato Space Invaders, della Taito Corporation (1978). Successivamente, il principale produttore di videogiochi in Giappone è stato Nintendo, guidato da Hiroshi Yamauchi, che ha trasformato una piccola società di carte Hanafuda a conduzione familiare in un'azienda di videogiochi multimilionaria di fama mondiale.

Fu Yamauchi ad assumere Shigeru Miyamoto e insieme rivoluzionarono il mondo dei videogiochi. Il primo successo di Nintendo fu la serie Game & Watch, una serie di macchine con tecnologia LCD che fungevano da orologio, progettate da Gunpei Yokoi.

Nel 1983 lanciarono la console Famicom, che ebbe un grande successo e il cui catalogo comprendeva giochi come il classico Donkey Kong. Successivamente sono usciti videogiochi di successo come Tennis, Dragon Quest, The Legend of Zelda o Final Fantasy.

Negli anni '80 emersero anche altre società, generalmente dedicate ai giochi arcade, come Capcom, Konami, Irem, Jaleco, SNK o Sega. Dopo la crisi del 1983, Nintendo riconvertì il Famicom nel Nintendo Entertainment System, con il quale partì alla conquista del mercato americano ed europeo, e con la nuova creazione di Miyamoto, Super Mario Bros.,

E 'stato un grande successo. Da allora, la costante innovazione nel mondo delle console (Sega Mega Drive, Super Nintendo, Game Boy, Sony PlayStation, Nintendo DS, PlayStation Portable, Nintendo Wii) ha reso l'industria giapponese uno dei principali produttori mondiali di videogiochi.